Una de las artistas que más acompañamiento ha realizado a las manifestaciones de mujeres ha sido Julieta Gil, quien desarrolla una investigación creativa e incorpora formas tridimensionales. Lo interesante de su obra –que registra algunas de las imágenes más icónicas de las marchas feministas y recientemente se ha exhibido en espacios como el Museo Tamayo– es que no se limita a registrar la denuncia, sino que la integra a un cuerpo de obra con instalaciones, esculturas, representaciones 3D y animaciones, que forman parte de un trabajo con computadoras como una forma de reflexionar sobre cómo altera la digitalización la existencia humana.

Para Gil, resultan cruciales las superposiciones que se producen en la interacción de las realidades físicas y digitales, para crear narrativas que reflexionan sobre pasados, presentes y futuros institucionales. En la actualidad, su área de interés abarca temas como el feminismo, las tecnologías subversivas, la ficción y la memoria, así como su utilización para resignificar, reimaginar y remodelar la comprensión de las instituciones.

En la pintura, aunque también incursiona en otros medios, Ana Segovia ha adquirido rápidamente relevancia al crear un cuerpo de obra que investiga las formas de circulación, representación y performatividad de la identidad, principalmente dentro de la cultura popular mexicana.

Segovia es nieta de dos protagonistas de la época de oro del cine mexicano (el productor Fernando de Fuentes Reyes y la actriz Yolanda Varela), por lo que recurrió al lenguaje fílmico de forma casi natural como el medio ideal para identificar y desafiar estereotipos heteropatriarcales presentes en los medios visuales.

Como lo plantea la propia artista, busca ante todo ubicar las formas, los lugares y los códigos de representación de dichos arquetipos, para repensar las nociones de sexualidad y la inclusión del género no binario a través de estrategias cómicas y estéticas que rompen con las normas de género y demuestran cómo los objetos, las prendas y las costumbres conforman una modalidad implícita de la virilidad. Su particular interés por la construcción de la mexicanidad en relación con una idea impuesta de la masculinidad “tradicional” la ha llevado a subvertir la figura simbólica del charro. Así, su uso del color, que oscila entre tonos pasteles y vibrantes, transgrede la mirada machista.

La obra de Segovia ha sido exhibida en los museos Tamayo, de Arte Carrillo Gil y Jumex, así como en galerías de la Ciudad de México, Los Ángeles, Nueva York y Chicago.

El trabajo de Berenice Olmedo ha trascendido rápidamente de la escena local a la internacional porque tiene la cualidad de exceder el campo artístico. Su investigación toca lo mismo problemas jurídicos que nociones sobre la propia existencia humana. Para ejemplificar su trabajo, es importante recordar que Olmedo desarrolló durante varios años un cuerpo de obra que tenía como materia prima los restos de perros atropellados en la vía pública. Sin importar la condición de los cuerpos, la mayoría descuartizados, la artista recupera los vestigios de perros muertos generalmente por atropellamiento para llamar la atención sobre la situación patrimonial que tienen estos seres vivos, ya que legalmente son tratados como fauna peligrosa o como objetos de sus propietarios humanos.

En la serie La bio-ilegalidad del ser: perros vagabundos, Olmedo plantea una pregunta concreta: ¿Qué condiciones sociales y legales determinan la vida de un perro en México? La artista examina la vida de los perros en lo que respecta a la biopolítica y la tanatología para reflexionar sobre la vida como mediación, desarrollada en el intersticio de zonas de excepción, precariedad y residuos.

Mediante la instalación y la escultura, la artista imagina posibilidades de politización para abordar problemáticas clínicas y legales, así como nociones sobre lo humano y lo animal. Este año expondrá individualmente en el Kunsthalle Basel (Basilea, Suiza) y participará en una muestra colectiva en la galería David Zwirner, una de las más influyentes a escala global. En 2017 obtuvo una mención honorífica en la categoría de Arte Híbrido por parte del Festival Internacional Ars Electrónica, en Linz, Austria.

Egresada de Facultad de Artes y Diseño, UNAM, la artista participó en la más reciente edición de la Bienal de Fotografía del Centro de la Imagen con una serie titulada La cuota, que sintetiza de forma por demás eficiente los silenciosos vestigios que deja la violencia en comunidades periféricas como su natal Tecámac, en el Estado de México. Desde 2017, ella ha registrado las numerosas cortinas de negocios que han cerrado en su comunidad como efecto secundario de la violencia provocada por el crimen organizado. Las decenas de negocios que mueren por extorsión, hostigamiento o por desentusiasmo construyen un mapa de la trágica realidad que vive este país y que ha sido normalizada durante las últimas décadas.

En su labor de investigación artística, Alma Camelia aborda problemáticas relacionadas con flujos de imágenes, objetos, espacios y archivos referentes al trabajo y la economía. Le interesa plantear preguntas sobre dichos flujos que se van entrecruzando, sin olvidar que alguien los produce, alguien los distribuye y alguien los consume.

Luego de formar parte del colectivo Biquini Wax EPS y haber participado en la muestra Prince · sse ·s des villes, en el Palais de Tokyo, de París, Paloma Contreras ha logrado consolidar su carrera individual presentando su obra no sólo en una de las secciones principales de la muestra Otrxs mundxs, en el Museo Tamayo, además exhibió Cartucho (la nación espiritual) dentro del proyecto Siembra en la galería Kurimanzutto de la Ciudad de México. También recibió la beca de Artistas Emergentes que otorga la Fundación para las Artes Cisneros Fontanals.

Contreras utiliza el dibujo, la escultura, el performance, la escritura y la instalación multimedia para tratar temas de género, violencia, estructura y herencia política, segregación de clases y poscolonialismo. Usando el paisaje como testigo en sus videos, y por medio de la creación de vestuario y personajes con carácter antropológico, la artista combina retratos rurales con thrillers mexicanos para explorar la exotización de la población indígena, la culpa colonial y la identidad construida de la clase media.

Wendy Cabrera atrajo los reflectores en 2020 al exponer individualmente en el Museo Jumex. Luego, su trabajo se mostró en la galería Kurimanzutto y ella se ha mantenido como una de las creadoras más solicitadas de su generación. Su obra se caracteriza por trabajar una serie de cruces que traspasan los límites entre alta y baja cultura, imagen y objeto, narración y acción, a través del trabajo textil y teatral, o por el estudio histórico de la cultura de masas, especialmente de la caricatura y la animación. Así, explora las relaciones entre estética e ideología presentes en los mecanismos de producción y distribución de las imágenes. Sus procesos implican la reescritura, la revisión de archivo y la colaboración con otras disciplinas. Los temas recurrentes en su producción son la biotecnología, el resurgimiento de la ultraderecha y el proyecto panamericano.

Uno de los anuncios que llamaron la atención durante 2021 fue el que hizo la galería Kurimanzutto al incluir dentro de su lista de artistas representados a Bárbara Sánchez-Kane. La artista, que radica actualmente en la Ciudad de México, había logrado visibilidad con una serie de exposiciones en México y Estados Unidos bajo la figura del macho sentimental, con lo cual busca resistir las nociones tradicionales de la mexicanidad y su relación con lo femenino y masculino.

Un eje característico de su práctica es la mezcla que hace entre el diseño de moda, la pintura, el performance y la instalación. Entre sus más recientes exhibiciones grupales están De por vida, Company Gallery (Nueva York, 2021); Otrxs Mundxs, Museo Tamayo (Ciudad de México, 2020); y Prince · sse ·s des villes, Palais de Tokyo (París, 2019).

En 2014, con apenas 27 años, Chantal Peñalosa fue una de las artistas seleccionadas dentro de la muestra Yo sé que tu padre no entiende mi lenguaje modelno, organizada por el Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC) de la UNAM para revisar a una generación que nació después del temblor de 1985. En 2021, Peñalosa regresó al MUAC con una muestra individual: Atlas wéstern, en la que indaga sobre el lenguaje gestual del cine wéstern y su migración a la cotidianidad. Con estudios de Bellas Artes en la Universidad Autónoma de Baja California y la Universidad de São Paulo, la artista obtuvo el premio Adquisición en la XIV Bienal de Artes Visuales del Noroeste y recibió becas del Fonca en la categoría de Jóvenes Artistas. En 2014 también recibió la beca del Programa Bancomer-Museo de Arte Carrillo Gil en su cuarta edición.

Peñalosa basa su práctica en la investigación de pequeños gestos e intervenciones en la vida cotidiana, que pretenden exponer las nociones de trabajo, espera y demora. La repetición es un elemento crucial en su proceso, funcionando como una alusión a los efectos absurdos y alienantes del trabajo.

El trabajo de Débora Delmar ha sido reconocido lo mismo por el mercado del arte que por instituciones como la Royal Academy of Arts, de Londres, que le otorgó el premio de Estudiantes Graduados en 2019. Su trabajo explora la cultura de consumo, los estilos de vida capitalistas y la estética contemporánea. Le interesan especialmente temas clasistas y los efectos crecientes de la globalización en nuestra vida cotidiana, así como la hegemonía cultural y las imágenes sexistas y raciales utilizadas en la publicidad. Delmar crea instalaciones multisensoriales que incluyen escultura, video, fotografía, perfume y sonido, así como intervenciones en línea.

Aunque el trabajo de Tania Ximena puede considerarse como el de una pintora de paisaje, en realidad su aproximación al arte parte de diferentes flancos y disciplinas: el alpinismo, la vulcanología, la investigación científica e histórica y la introspección personal y espiritual, con el fin de desplazar la noción de paisaje, como algo que sólo se observa, por la de territorio, en tanto cambiante entramado de factores sociales y naturales. Con estudios en Artes Plásticas por la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda y la Staatliche Akademie der Bildenden Künste (Karlsruhe, Alemania), su obra se ha exhibido en el Museo Tamayo y en el Carrillo Gil. ♦